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La scala d’oro indica un sito di straordinaria bellezza nel percorso turistico di Venezia. Gli stucchi dorati decorano la scala, progettata da Sansovino, che porta verso gli appartamenti ducali. La Scala d’Oro è anche il titolo di un bellissimo dipinto preraffaellita di Edward Burne Jones del 1876 alla Tate. Diciotto fanciulle in candide vesti virginali discendono una scala a chiocciola reggendo strumenti musicali. La simbologia preraffaellita rimanda a una idea perduta di armonia, di luce e di ritmo. La Scala d’Oro è anche il titolo di una meravigliosa collana di libri per ragazzi edita dalla UTET dagli anni Trenta con circa un centinaio di volumi che divulgavano la letteratura classica. Quo Vadis, Poe, il Graal, Ivanhoe, Tolstoj, Virgilio, Verne, Hugo, Cervantes, Dickens, Swift, entravano nell’immaginario adolescenziale grazie a straordinarie illustrazioni di Gustavino, Terzi, Nicco, Mateldi e tanti altri. Illustrazioni e narrazioni vivevano nelle pagine cartacee rilegate, con le magiche copertine che, già dalle vetrine delle ormai scomparse librerie, producevano immaginari orizzonti. La collana era ideata da Vincenzo Errante grande germanista e anglista traduttore di Shakespeare, Goethe, Rilke .
Fra le tre opzioni di ispirazione a La Scala d’Oro è stata scelta da Ricc Sabba quella del ricordo editoriale. Il suggerimento gli arriva dall’amico Piero Berengo Gardin, cugino del più celebre Gianni, ma altrettanto raffinato e colto fotografo e intellettuale. La Scala d’Oro di Ricc Sabba è un progetto meravigliosamente folle e poetico di animare uno spazio culturale nella Roma di oggi. Ricc Sabba ha esercitato il proprio sguardo dagli anni Settanta, trasversalmente, nei territori della fotografia, della grafica editoriale, del documentario sociale, della comunicazione pubblicitaria. Anni, quelli, nei quali si poteva operare con  libertà e con creatività nella produzione commerciale come nella ricerca artistica. La dittatura dell’algoritmo e del pensiero unico prodotto dallo sguardo omologato al consumo, non era ancora dilagata col suo ritmo compulsivo degli influencers. Ricc Sabba opera come Darklight, nella ricerca fotografica, nella grafica, nella documentazione aziendale, tenendo presente la ricerca artistica come paradigma operativo. Inventa situazioni di incontro, di relazione, di sperimentazione. Fra queste il Punto Estatico a Borgo, da cui nasce il Premio Borgo insieme ad Alberto Angelini e alla rivista Eidos. Il premio è una occasione di incontro fra linguaggi artistici, e soprattutto fra persone. Con grande apertura, curiosità e disponibilità, vengono invitati artisti, non necessariamente noti, a esporre in un piccolo spazio fra libri, raccolte di riviste, collezioni di fotografie, stampe. Lo spazio culturale, piccolo e fragile presidio nel percorso turistico che devasta ormai le città, con un’alluvione di plastica e di immagini  omologate, trasloca non lontano nella via Giovanni Pierluigi da Palestrina, vicina a piazza Cavour. Lo spazio nuovo, messo a disposizione dalla Chiesa Valdese, è davvero piccolo e problematico, di fatto… una scala condominiale secondaria!
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Ecco l’idea geniale di Piero Berengo Gardin: perché non chiamarlo La Scala d’Oro? Sì, certamente… una iperbole! Ma una scommessa, Ricc Sabba progetta con gusto, passione e generosità, insieme ad un gruppo di amici, uno spazio culturale. La Scala d’Oro è il nome della minuscola improbabile “galleria” in forma di scala, un progetto ascensionale. La Scala d’Oro è un altro minuscolo e fragile presidio nel quartiere dei tribunali, degli studi legali, dei ristoranti, dei percorsi gourmet alla moda, degli aperitivi e delle relazioni convenzionali, frettolose, effimere.
La Scala d’Oro è un presidio culturale, insieme alla libreria Claudiana e alla Facoltà Valdese di Teologia, a complemento della Chiesa Valdese edificata nel 1914, a compimento del progetto di uno stato laico, con il progetto di far diventare Roma capitale e internazionale, dopo la Esposizione Universale del 1911, che  origina il nuovo quartiere Prati. La Chiesa Valdese è progettata, con un gusto neogotico anglosassone, da Emanuele Rutelli e decorata con i disegni di Paolo Paschetto, provvista anche di un importante organo. Piazza Cavour a Roma è la piazza del tribunale, il Palazzaccio, con Cavour che volta le spalle a Mazzini. Di  fronte c’è il grande Teatro Adriano, un tempo luogo di concerti memorabili e di adunate politiche, oggi chiassosa multisala sfavillante di led. Si è persa la memoria di un mitico concerto dei Beatles nel 1965, come  anche di un altro piccolo spazio di libertà e di poesia, il teatro Beat 72, animato da Simone Carella, che  insieme al non lontano Alberichino, vide nascere fra le serate jazz, l’avanguardia teatrale romana. In quegli anni debuttavano fra i giovanissimi militanti delle sperimentazioni teatrali e poetica anche Carlo Verdone e Roberto Benigni. Que reste-t-il de tout cela? Non c’è più memoria, neanche una labile traccia. Eppure La Scala d’0ro di Ricc Sabba, va in direzione ostinata e contraria. Nel tempo dell’arte declinata allo stato gassoso del glamour, resiste come una bottega color cannella, con i suoi legni affacciati sul marciapiede. Uno spazio minuscolo, ma aperto, sulla strada, alla strada. La Scala d’Oro, con le edizioni del Premio Borgo propone titoli ossimorici e iperboli concettuali, estatici ed estetici, sorprendenti, come inciampi concettuali. Da dieci anni il premio Borgo è un luogo di apertura, di relazioni, di scambi di opinioni e di sguardi. Artisti lontani dal mondo glamour dell’arte allo stato gassoso, esercitano la propria operatività di linguaggio all’insegna di quel Grande Diletto di cui Alberto Savinio insigniva l’esercizio dell’arte come possibilità di verità. La Scala d’Oro da un decennio invita artisti, anche internazionali, a partecipare per un piccolo premio, democratico, costituito dai voti del pubblico e da una giuria di sodali. Non si vincono ricchi premi né cotillons, si dà opportunità all’opera e all’artista di incontrare il pubblico alla pari, sullo stesso  piano all’insegna dello sguardo e della condivisione di un'esperienza. I temi trattati nel corso degli anni sono legati ai temi attuali, declinati come domande su, e a partire da, come occasioni di riflessioni e di sguardi. Il Corpo, Equivocando, Tra Sogno e Segno, il Doppio e l’Altro, Sguardo Futuro, Volto e Ritratti. Sono alcune delle “insegne concettuali” ideati da La Scala d’Oro .
L’arte è pensata come un gioco serio che, mentendo, gioca a ri-velare la verità. L’arte, capace di sottrarsi all’ombra della comunicazione immersiva, al Kitsch della patina glamour, si offre come occasione di  riflessione. L’arte che riesce a scardinarsi dal desiderio confezionato, dalle immagini a domicilio, si fa sguardo. Lo sguardo-attraverso dell’arte produce possibilità, riconfigura il mondo.   
Opere e pubblico sono invitati a salire per La Scala d’Oro verso il Grande Diletto.

Le misure giuste. E che sia per meticoloso progetto o per coincidenza casuale non influisce sul piacere finale. Ecco, il Premio Borgo 2018 è risultato particolarmente piacevole: una buona quanlità-quantità di partecipanti, ventisette, maggiore del solito, una notevole varietà di tecniche pittorico-illustrative, oli tempere tecniche miste gessetti legni tele carte stoffe tappi, gioco e passione, lavori proposti in una grande varietà di dimensioni. Poi, come può accadere, qualche cosa che partecipa ma non è riconducibile alla ragione. Insomma, tutto questo ha portato a un’edizione del Premio Borgo particolarmente piacevole e che ha visto un pubblico votante numeroso: 196 visitatori in dodici giorni di esposizione. E i visitatori, come la giuria, hanno avuto qualche difficoltà a scegliere il vincitore: giurati o pubblico, tutti hanno seminato il voto qua e là, ed è bastato circa il 10% dei voti per determinare il premio del pubblico e solo due voti su dieci per determinare quello della giuria. A vederla a posteriori, è la vittoria dei partecipanti e dell’iniziativa, dove i partecipanti sono tutti, sia gli autori che i visitatori. Ivana Tartarini ha confidenza con le piccole cose proprie di chi sa di sartoria, le coglie bene, con attenzione, e, precisa, le ripropone in foto: dal segno al sogno, le sue lumachine disarmate e disarmanti convivono col ferro più duro e con questo si ritrovano, assonanti, nell’armonia della spirale, la magia della curva mirabilis, la curva che domina la natura, quella minuta come l’universo infinito tutto, e la sua foto dai toni tenui si distingue e coglie il premio della Giuria. Brigitte Kratochwill dipinge su tela e sembra testimone di una insoddisfatta ricerca che raggiunge l’obiettivo a fatica, il suo scavo è un continuo sovrapporre colore e, nella proposta specifica per il Premio Borgo, è il blu il colore, un blu che, segno su segno, lascia vedere, sognare, il mare. È l’arte contemporanea lontana dalla mimesis che, inaspettata, rappresenta la realtà al meglio. Certo un blu che convince molti come convince molti il mare, un blu vivo, mai fermo, come mai fermo appunto è il mare. Tutto questo da lei che è austriaca e che, è probabile, ha conosciuto da noi quella distesa mai distesa, fremente di schiume e colore, come, nella sua proposta vincente per il pubblico, appare.

La natura esperibile da un lato, l’assoluto dall’altro. Il contingente di contro all’universale, l’eterno, che ricerca le forme dell’“essere”. A un filone intimistico, che esprime e interpreta la natura ultima della realtà al di là delle sue determinazioni relative, cogliendo l’essenza delle cose, si ascrivono, le forme embrionali dell’essere umano all’interno di “In – essere” di Maria Santamaria, le fluttuanti figurette antropomorfe di “Elsewhere” di Christian Pertosa, nonché le “Intime conversazioni” di EnneEffe Nadia Frasson. In “Silenzio assordante” di Sabrina Missere, al carattere contrastante e ossimorico del titolo corrisponde la tensione delle linee diagonali, le quali, come un tessuto, ordiscono lo spazio dell’opera. Appartengono sicuramente a un filone più “naturalistico”, seppur risolto con uno stile intimo e soggettivo, “Tramonti e palme 2017” di Elena Savina, “Paesaggi (Calabria) 2017” di Alexandra Savina, “Le calle di Boltanski” di Ivana Tartarini, la ceramica di Iobea, l’opera di Lorenzo Ghimenti, “Ressemblage” di Britta Fäth e “Diptychon, Lumieres de solidarité” di Helga Maria Bonenkamp. In questi lavori, la natura non è mai frutto di una pedissequa emulazione del vero, ma è “espressione” dell’intimo sguardo dell’artista. Pur giungendo a una rappresentazione di ciò che è al di là dell'esperienza sensibile, i lavori di Paolo Brasioli “FisMetaFis chair SE17 06°”, di Gabriele Ronco e di Monica Celestino partono, invece, dal dato fenomenico per astrarlo e sospenderlo nel tempo e nello spazio, fino a renderlo imperituro, immortale. Se, inoltre, “Acqua, fonte di vita, un miraggio per molti” di Ester Giacalone Abeile e l’opera di Anna Erario posseggono un carattere più visionario, a tratti quasi surreale, gli acrilici di Marilena De Matteo, Italia Cerboni, Maria Teresa Nannerini e “La Fatascienza di Moma, Un Villaggio” di Monica Trapletti sono figli di un comune linguaggio, caratterizzato da cromie accese, in aperto dialogo con le forme geometriche pure, che realizzano immagini tendenzialmente astratte, attraverso rapporti ritmici fra luce, colore, segno e movimento. Una menzione particolare meritano, infine, i vincitori del Premio Borgo 2017. Nel lavoro di Evelyne Baly, i diversi gradienti del bleu e dell’azzurro, del rosato e del bianco, evocano una rappresentazione celestiale, in grado di travalicare i limiti della realtà sensibile e trascinarci in una “dimensione altra”, intriso di una “spiritualità laica”. Federico Heidkamp descrive per contro una realtà urbana, attraverso una trama di linee ortogonali e orizzontali realizzate con la china, parzialmente obliterate dal bruno del caffè versato sulla carta. Caffè che, in un gioco capzioso tra realtà e finzione, entra a far parte dell’opera stessa, avvolgendo, nascondendo e svelando pian piano e timidamente l’incorruttibile bellezza della Città Eterna.  

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Il tema che ha ispirato l’edizione 2015 del Premio Borgo è quello dell’equivoco. Equivocando è l’invito rivolto dalla galleria romana La scala d’oro agli artisti partecipanti. Si tratta in realtà di qualcosa di molto serio nella apparenza del gioco. Ma si sa che quello dell’arte è il gioco più serio. Fra le molteplici attività dell’uomo, l’arte è certamente quella che scaturisce dalla libertà e dalla volontà dell’agire umano alla ricerca del piacere, del bello sensibile e dell’intelletto. Equivocando si può intendere come un percorso, come una delle modalità creative fondata su una consapevolezza. La consapevolezza è quella del rapporto che si instaura fra l’opera d’arte e la comunicazione. La dimensione del contemporaneo è dominata dal processo della comunicazione immersiva. Si tratta in questo caso di una esperienza totalizzante, non solo per quanto riguarda la produzione dell’immagine, ma anche per quanto riguarda i comportamenti e le relazioni. L’horror vacui che la persistenza delle immagini determina, nella sensibilità e persino nei comportamenti quotidiani, fa si che lo statuto dell’immagine, moltiplicato all’infinito, produca processi identitari e fortemente omologanti. Basti pensare alle pratiche compulsive del selfie dello scambio di immagini autoreferenziali nel circuito dei mezzi di socializzazione tecnologiche. Questo infinito processo compulsivo di produzione e di scambio continuo, 24 ore al giorno, di immagini produce un effetto di omologazione e di riduzione a un senso unico linguistico comportamentale. Caratteristica del linguaggio e della ricezione artistica è piuttosto la polisemia. Detto più chiaramente, il senso poetico di una parola è quello caratterizzato dalla massima apertura di senso e di significato, la sua ricchezza polisemica. Il segno poetico, come quello artistico, è quello che non va in un’unica direzione ma che, piuttosto, si apre verso una polisemia combinatoria. In fondo possiamo dire che più l’espressione artistica “equivoca”, più essa si “apre” a possibilità interpretative ed emotive. In arte non ci sono fatti ma solo interpretazioni. Il piacere estetico risiede in questo fondo di verità. Il mero processo di comunicazione prevede il passaggio da un mittente a un destinatario attraverso segni variabili solo secondo regole che formano il codice e che sono condivise da emittente e destinatario.  questa la regola perché si soddisfi la condizione della comunicazione. La comunicazione è una dinamica interpretativa guidata dagli elementi invariabili: mittente, destinatario, messaggio, codice, canale, contesto. Su questo percorso sono impiantate anche le  funzioni diverse della comunicazione. Tra queste certamente la più imprevedibile è quella definita “poetica”. Si tratta di una funzione particolare che può essere assimilata a quella artistica . La funzione poetica venne definita da Sklovskij, negli anni Venti del Novecento, come quella che “cambia le insegne”, che sovverte le regole costituite dal mondo della comunicazione ordinaria. Anche per l’immagine vale la stessa riflessione. Una immagine artistica  è tale per la sua autonomia,  per la sua autoreferenzialità, come fa notare Wittgenstein. Solo a partire da questa consapevolezza è possibile intervenire con varianti infinite. Nessuno potrà scambiare le mele di Cézanne per le mele del supermercato o della pubblicità, proprio perché quelle mele appartengono a un codice di comunicazione il cui orizzonte è più “aperto” possibile.

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Dario Evola

È un premio di arte contemporanea e il contemporaneo è difficile da afferrare, da catalogare secondo tendenze, classificazioni, giudizi o interpretazioni.
Le opere esposte nella galleria “Punto Estatico”, opere che partecipano al premio Borgo 2011 a Roma, si presentano diverse l’una dall’altra. Possiamo soffermarci su un bian- co e nero con un teschio che appoggiato in basso a destra in uno spazio indistinto dialoga con un albero morto e arti- glioso, illuminato da un bagliore improvviso e “le due cose assenti” sono richiamate da un vortice muto. Anche un'altra opera sembra alludere a “cosa c’è al di là”, a “cosa ci sta sotto”: una grata di ferro traforato lascia intravedere delle immagini che sono foto in bianco e nero; il gesto del- l’alzare la grata per vedere meglio chi o cosa le immagini rappresentino è ostacolato dalla grata stessa che in modo rigido difende o imprigiona le figure sottostanti. Una messa a fuoco ulteriore coglie da dietro la grata presenze e sguardi che a propria volta chiedono di essere liberati. Un rombo-quadrato suddiviso all’interno in quattro cam- piture di colore diverso ospita in ogni riquadro, come una scrittura su differenti materiali colorati sempre lo stesso motto in greco: conosci te stesso. Sono incisioni, graffiti che nella loro essenzialità e semplicità sopportano il peso di un detto che in tutta la propria complessità vuole arri- vare a chi li sta osservando.
C’è ancora un disegno a matita che incastra in riquadri diversi natura e paesaggio (frutta – alberi – acqua – qual- che edificio – una foglia posata a terra): una natura morta dal sapore un po’ scolastico.
Anche un altro piccolo formato di un paesaggio a colori spicca per la propria naivetè. È un lavoro minuzioso, non improvvisato: si può cogliere un amore per la pittura come arte artigianale.
C’è infine un monocromo che potrebbe risultare tra tutte le opere quella più intensa, più densa ed espressiva.
Come se ci trovassimo a considerare un quadro che è un tas- sello d’intonaco grezzo bianco sporco, materico quindi, informale con tracce di spatola, granulosità e spruzzi di colo- re: il tutto bianco su bianco. Questa materia anche se potreb- be essere assimilata ad uno “scarto” è materia viva che non si presta a possibilità di raffigurazioni definibili o definite.
Si dà così come la si coglie e si coglie qualcosa dell’inconscio. lo sguardo può assorbire in modo sensibile e vibratile sia il senso di delicatezza sia il sentimento di agitazione ed inquietudine. Non siamo obbligati ad inter- pretare: l’opera funziona “così come è”.
Dentro l’opacità fisica del monocromo possiamo avvertire leggerezza ed evocatività.